Ständig neue Trends, Textilriesen, die jährlich Dutzende neue Kollektionen unter prekären Produktionsbedingungen auf den Markt bringen, geschredderte Neuware internationaler Luxuslabels und die Zerstörung von Ökosystemen durch textile Müllberge: Die Mode(industrie) steht im Hinblick auf Konsumverhalten, Herstellungsprozesse und Nachhaltigkeit zunehmend im Fokus. Mit der Ausstellung CRITICAL CONSUMPTION öffnet das MAK den kritischen Blick für einen Bereich, der wie kein zweiter für Konsum, den ständigen Wunsch nach Neuem und für schnellen Wandel steht.

Über ein Jahr lang ist die MAK Galerie Schauplatz für historische Objekte, zeitgenössisches Design und künstlerische Positionen, die Anstöße zur Auseinandersetzung mit aktuellen Fragen unserer Zeit liefern: „Welchen Wert hat unsere Kleidung?“ oder „Wer kann sich Konsumverweigerung überhaupt leisten?“ Unser Modekonsum kann dabei paradigmatisch für den Massenkonsum der kapitalistisch ausgerichteten Gesellschaft des Globalen Nordens gelesen werden.

Zusammen mit erfahrenen Künstler*innen und Expert*innen aus der Wissenschaft schaffen sich die Teilnehmer*innen im Zukunftslabor einen sicheren Raum und bespielen diesen für sich und andere.
Durch verschiedene künstlerische Ausdrucksarten wie beispielsweise Theater, Performance, Tanz oder Musik werden die Bewohner*innen ermutigt, ihre persönlichen Verbindungen zur Natur, ihre Erfahrungen mit den Auswirkungen des Klimawandels und ihre Ideen für eine nachhaltige Zukunft auszudrücken.

In Kooperation mit der Volkshilfe Wien. 

In sieben Kapiteln erzählt Regina Anzenberger mit ihren übermalten, weitergezeichneten und mit Fundstücken versehenen Fotografien das Naturerlebnis Gstettn. Sie überschreitet in ihren Arbeiten die Grenze zwischen Objekt und Realität und nimmt uns mit auf ein Abenteuer, das auf einem unbebauten Grundstück der ehemaligen Anker Brotfabrik seinen Anfang gefunden hat.

Hiesige Zimmerpflanzen sind meist aus tropischen Gebieten importiert und werden laufend vervielfältigt – als stille Zeugen der Kolonisierung. Die exotischen Arten gedeihen bei guter Pflege viele Jahre, sie benötigen kaum Tageslicht: Sie wachsen im nahezu Dunkeln.

Was können wir von unseren grünen Mitbewohner:innen lernen, wie adaptieren sich diese in unwirtlichen Lebensbedingungen? Und welche Bewältigungsmechanismen werden für uns Menschen in einer ein, zwei oder drei Grad Celsius heißeren Welt notwendig sein? Diese sind nur einige der Fragen, denen Käthe Hager von Strobele in „Growing in the Dark“ nachspürt.

Das Zusammenleben mit Kamelen und ihren Verwandten prägt Kulturen. Es bildet die Lebensgrundlage für Menschen in vielen Teil der Welt und ist Teil deren kultureller Identität. Das Weltmuseum Wien geht im Jahr 2024 den vielen Facetten dieses Zusammenlebens mit Dromedaren, Trampeltieren, Lamas und Alpakas – kurz: Kameliden – in einer Sonderausstellung nach.

Mit Filmen, Fotografien, historischen und zeitgenössischen Kunstwerken sowie Objekten aus den Sammlungen des Weltmuseums Wien und zahlreichen Leihgaben erzählt die Ausstellung von vergangenen, gegenwärtigen und künftigen Begegnungen mit Kameliden.

Die Ausstellung Leap Year lädt die Besucher:innen zu einer kritischen Erkundung der Unaufhaltsamkeit und Zirkularität von Wandel ein und zeigt Möglichkeiten einer Neuerfindung in diesen prekären Zeiten auf.

Leap Year ist eine Hommage an die ersten 16 Jahre des Kunstvereins das weisse haus, wobei alle in der Ausstellung vertretenen Künstler:innen eng mit dieser selbstorganisierten Institution verbunden sind.

Künstler*innen: eSeL (Lorenz Seidler), Julia Gaisbacher (in Kollaboration mit Barbi Marković), Lena Rosa Händle, Lavinia Lanner, Rafael Lippuner, Ryts Monet, Hyeji Nam, Yoshinori Niwa, Yuji Oshima, Christiana Perschon

Oliver Resslers künstlerisch-aktivistischer Praxis liegt die Überzeugung zugrunde, dass gesellschaftliche Verhältnisse nicht gegeben, sondern vielmehr veränderbar sind. Seit etwa drei Jahrzehnten nimmt Ressler dringliche Aspekte von Demokratie, Ökonomie, Migration und Ökologie in den Blick, um strukturelle Ursachen, aber auch Widerstandsformen und Handlungsoptionen aufzuzeigen. Gesellschaftliche Alternativen denkbar zu machen, ist dabei ein zentrales Motiv.

Die Werkschau Dog Days Bite Back versammelt filmische und fotografische Arbeiten der letzten Jahre, die verschiedene Dimensionen der Klimakrise in ihrer ökonomischen, politischen und sozialen Komplexität adressieren und mit international agierenden Klimagerechtigkeitsbewegungen verschränken. So bringt Ressler die inzwischen weltweit spürbaren Effekte des Klimakollaps in Zusammenhang mit systematischen klimapolitischen Verfehlungen und dem überfälligen Paradigmenwechsel in globalen Wirtschaftssystemen.

Die Ausstellung Lobau Lauschen. Hörerlebnisse einer umkämpften Stadtwildnis gibt Einblicke und Höreindrücke in die Arbeit des Künstlerinnen-Kollektivs Lobau Listening Comprehensions, das persönliche Geschichten, ökologische Perspektiven und politische Auseinandersetzungen zur Lobau sammelt. Heute Teil des Nationalparks Donauauen, hat die Lobau eine vielseitige Geschichte, interessante Gegenwart und umkämpfte Zukunft.

Angelika Loderer entwirft für ihre Einzelausstellung im Belvedere 21 eine raumspezifische Installation, für die der Boden mit seinen ökologischen, ökonomischen, politischen wie kulturellen Narrativen den common ground darstellt.

Das Interesse am Untergrund und den dort lauernden Geschichten, an der Spannung zwischen Sichtbarem und Verborgenem, zwischen Flüchtigkeit und Permanenz zieht sich als roter Faden durch das Werk der Bildhauerin. In ihrer kritischen Befragung des Skulpturenbegriffs hinsichtlich Formfindung und Autor*innenschaft wählt die Künstlerin mitunter den kreativen Dialog mit nichtmenschlichen Lebewesen, deren Habitat das Erdreich ist: Sie eignet sich von Tieren generierte Höhlen und Gänge als Gussformen an oder nutzt die Wachstumsprozesse von Pilzmyzel als gestaltendes und materialveränderndes Element. Den künstlerischen Prozess öffnet sie dadurch nicht nur für den Zufall, sondern auch für ein posthumanistisches Miteinander der Kreaturen.

Hitzerekorde, großflächige Infernos und Extremwetter sind, wie es scheint, das neue Normal. Das 2015 unterzeichnete Pariser Klimaschutzabkommen ist de facto gescheitert. Im neuen MAK Plakat Forum zeigt das MAK aus diesem Anlass unter dem Titel NICHTS IST ERLEDIGT 25 Plakate zum Thema Umweltverschmutzung und Klimaveränderung des Grafikdesigners, Juristen, politischen Aktivisten sowie frühen Mahners für die Umwelt, Klaus Staeck (* 1938).

Kathrin Stumreich wirft einen Blick auf die Mojave-Wüste. Im Sonnenwärmekraftwerk Ivanpah reflektieren über 150.000 motorisierte Spiegel das Sonnenlicht. Das Lichtspektrum der bis zu 1.000 Grad heißen Zone zieht Insekten an, die in der gleißenden Hitze verglühen. Vor Ort sammelte Stumreich 10 Terabyte an Foto- und Videomaterial, beobachtete die Thermik, das Blau des Himmels sowie den Kampf der Tiere. Im Zentrum ihrer Installation steht das Aufeinandertreffen eines natürlichen Habitats mit der Architektur erneuerbarer Energien.

Dystopische Situationen, bei denen Menschen an einem Abgrund stehen, menschenleere Landschaften, ausgestorbene Dörfer – bei den Bildern von Beate Gütschow wird erst auf den zweiten Blick deutlich, dass es sich um protestierende Menschenansammlungen, Überreste von zivilisatorischen Eingriffen nach einer Flutkatastrophe oder Spuren von Bränden in Wäldern und Landschaften handelt. Alle gezeigten Ereignisse haben in den letzten Jahren nicht irgendwo auf dem Globus, sondern in Deutschland stattgefunden.

Wie filtert Licht, was wir wahrnehmen? Wie hören sich Eisberge an? Und wie sieht die chemische Zusammensetzung von Wasser gedruckt aus?

Für ihr Fotoprojekt From a Tongue We Are Losing begab sich die Künstlerin Laure Winants zusammen mit einem multidisziplinären Forscher:innen-Team auf eine viermonatige Expedition ins arktische Eis – eine weiße Wüste, in deren Weiten sich der Mensch winzig klein verliert.

Um die einzigartigen Lichtphänomene dieser außergewöhnlichen Weltregion hoch im Norden einzufangen, hat sie spezielle Techniken entwickelt. Damit macht sie abstrakte Daten greifbar und emotional erfassbar und macht uns die wechselseitige Abhängigkeit von Ökosystemen bewusst.

vanishing structures. Politiken des Verschwindens untersucht, welche Fragestellungen und sozialen, politischen und ökologischen Bedingungen mit dem Verschwinden von Architekturen, Landschaften, Personen oder Traditionen verknüpft sind. Die künstlerischen und recherchebasierten Herangehensweisen, die im Rahmen der Ausstellung zueinander in Beziehung gesetzt werden, eröffnen unterschiedliche Perspektiven auf lokale sowie geopolitische Fragen und Zusammenhänge.

Verschwinden meint in diesem Kontext schleichende Prozesse, die oftmals nur von wenigen oder gar nicht wahrgenommen werden, ebenso wie rasante Umbrüche, die zu plötzlichen, unmittelbaren und spürbaren Veränderungen führen. Verblassen, Verlorengehen und Verschwinden werden im Rahmen des Projekts gleichbedeutend betrachtet und vereinen sich in schwindenden Strukturen, den vanishing structures. Der Begriff der Struktur steht hier stellvertretend für erfahrbare Anordnungen wie etwa den Stadtraum, existierende Systeme wie Umwelten oder Wirtschaftskreisläufe, aber auch für soziale Gefüge oder kollektive Erinnerungen, die weniger greifbar, aber dennoch von den Politiken des Verschwindens betroffen sind.

Showroom der Red Carpet Art Awards: Ausstellung der Schüler*innen der ibc Hetzendorf Bundeshandelsakademie Wien 1120 in Zusammenarbeit mit dem Künstler Rudolf Fröch. Gezeigt wird eine Installation und Videoarbeit zur Beziehung von Mensch, Natur und Technik.

Showroom der Red Carpet Art Awards: Eine Ausstellung der Schüler*innen des Bundesrealgymnasiums Pichelmayergasse 1100, die die Erwartungen von Jugendlichen an Ihre Zukunft zeigt. Dabei steht vor allem der Wunsch nach Freude und Spaß im Vordergrund, in der Festmachung von selbst gestalteten Spielen.

Drei prominente Showrooms im Wiener U-Bahnnetz in Kooperation mit den Wiener Linien werden im Zeitraum von April bis Juni 2024 zehn Biennale-Schulprojekten zur Verfügung gestellt und von den Klimabeauftragten der Schulen und ihren Klassen selbst bespielt. So wird den Heranwachsenden die Möglichkeit geboten, ihre Sichtweise auf die Welt der breiten Öffentlichkeit zu präsentieren. Die Ausstellungen sind Teil des offiziellen Klima Biennale Wien Programms.

In Kooperation mit FutureWorks (Red Carpet Art Award).

Wachsende Gletscher: Keine Fiktion, sondern Realität. Am Institute of Science and Technology Austria (ISTA) erforschen Wissenschafter*innen rund um Francesca Pellicciotti Gletscher, die der Erderwärmung zu trotzen scheinen. Mit den Künstler*innen Céline Ducret, Martin Heynen und Patrick Hari widmet sich ISTA unseren komplexen Gefühlen in Zeiten von Unsicherheit und erzählt, was es bedeutet Schritt für Schritt neue Realitäten zu vermessen, während sich die Welt unter unseren Füßen verändert.

Kollaborationen zwischen Wissenschaft brauchen Vertrauen, Zeit, gute Kommunikation und eine Neugier und Respekt für einander - oft über lange Zeit und mehrere Institutionen hinweg. Die Wege bis zu den passenden Plattformen sind vielseitig und das möchten wir hervorheben: Céline Ducret wurde über ein PolARTS Projekt Teil einer Expedition der Pellicciotti Gruppe.

Martin Heyen war mehrere Jahre als Forschungsassistent der Gruppe tätig bevor er sich der Kunst widmete. Patrick Hari ist ein langjähriger Freund und Konversationspartner der Forscher:innen.

https://www.vistascience.at/visit/ausstellungen/

Sticker mit Info und QR-Code bei den Spiegeln in den Toiletten der Klima Biennale Wien Venues laden das Publikum ein, den ersten Hör-Raum des "Großen Welt-Raum-Wegs" ("Badezimmer") in Wien zu erleben. Der Große Welt-Raum-Weg ist ein Projekt im Rahmen der Kulturhauptstadt Salzkammergut Bad Ischl 2024 von Christoph Viscorsum in Zusammenarbeit mit Andreas Hagelüken.

Mit „Floras Reisen“ lesen Binder, Pfeifer und Zimmerberger invasive Prozesse in Flora und Fauna als grundlegende Metapher für hegemoniale Machtstrukturen und repressive Praktiken zwischen Gesellschaften. Dabei gehen sie weit in die Geschichte zurück, um die durch Kolonialisierung und (Zwangs-)Migration ausgelösten Veränderungen in der Natur zu erfassen und dieses Verständnis auf die Gegenwart zu übertragen.

Hana Usuis Zyklus „ELECTRIC SHADOWS“ reflektiert über die Energieproblematik und die Schattenseite von Atomkraft, die zurzeit ein Greenwashing erlebt. In Österreich gibt es zwar keine aktiven Kernkraftwerke, aber einige der ältesten Exemplare davon liegen unweit von Wien. Durch eine an Zwentendorf inspirierte immersive Installation setzt sich Usui mit den katastrophalen Folgen von nuklearen Unfällen auseinander.

Die Verwendung verschiedener Materialien in ihren Bildern schafft ein visuelles Gleichgewicht zwischen bipolaren Gefühlen der Verwüstung und Verspieltheit.

Johanna Tinzls Installation in Mz.* Baltazar’s Lab ist dem Verschwinden der Gletscher gewidmet, deren Topografien und Oberflächen die Künstlerin seit 2019 mittels Abgusstechnik archiviert. Die fragilen Skulpturen zeugen auch von der körperlichen Erfahrung, mit der sich die Künstlerin angesichts dieser unmöglichen Dokumentation eines unaufhaltsamen Prozesses konfrontiert sieht. Der Film verweist auf ein anderes, mythologisches Wissen über das Wesen der Gletscher, das sich für zukünftige Formen des Zusammenlebens aktivieren lässt.

Die freie unabhängige Kunstszene in Wien zählt zu einer der stärksten und vielfältigsten im deutschsprachigen Raum. Mit diversen, subversiven künstlerischen Positionen bereichert sie die Stadt und sorgt für Vielfalt und Lebendigkeit abseits der etablierten Kunstinstitutionen. Als niederschwellige Orte für die zeitgenössische Kunstszene bildet sie ein stadtübergreifendes Netzwerk. Genau hier setzt die Klima Biennale Wien an und öffnet über das Ausstellungsformat Immediate Matters neue und alte Türen zu Räumen, die sich in Wien mit den zahlreichen Herausforderungen des Klimawandels auseinandersetzen.

„In der Kubatur des Kabinetts“ ist der Titel eines zeitgenössischen Kunstsalons im FLUCC. Im Jahr 2024 steht das Thema „Ökologien der Arbeit“ im Fokus. Mit ihrer Performance und Installation SYMBIOMEMORY werden Negin Rezaie und Caitlin McDonough-Goldstein und Johannes Wiener den ganzen April eine wachsende Algenzucht und ein urbanes Bodenmilieu für Mikroorganismen begleiten, die interagieren, Ökosysteme bilden und skulpturale Bilder zeichnen.

Diese sich entwickelnden Installationen schaffen eine dynamische Verbindung zwischen Kunst und Natur, und wir laden das Publikum ein, am Prozess teilzunehmen und in den urbanen Raum zu wirken.

Die Biofabrique Vienna ist ein Pilotprojekt der Wirtschaftsagentur Wien und Atelier LUMA, einem Programm von LUMA Arles, in Partnerschaft mit der TU Wien (Institut für Architektur und Entwerfen). Basierend auf dem bioregionalem Design Ansatz von Atelier LUMA wird gemeinsam eine Methode entwickelt, um nicht genutzte lokale Ressourcen in Materialien für Architektur und Design umzuwandeln.

Seit 2021 untersucht das Projekt ProBACH das Potenzial aktiver sowie inaktiver Stadtbäche für stadtklimatische und sozialräumliche Verbesserungen. Angefangen bei wissenschaftlichen Grundlagen für die Reaktivierung vorhandener Stadtbäche bis zur experimentellen Umsetzung im Rahmen der Klimabiennale werden vielfältige Erfahrungen gesammelt.

Im Rahmen der Klima Biennale Wien 2024 erforscht „Wir probieren Bach“ anhand verschiedener Bachtypologien exemplarisch und experimentell Funktions- und Wirkweisen oberflächlicher Fließgewässer. Ein transdisziplinäres Rahmenprogramm begleitet die Installation und ermöglicht eine Zusammenarbeit von Forscher*innen und Besucher*innen. Diese leisten mit „Wir probieren Bach“ einen wichtigen gemeinsamen Beitrag zur Wissensproduktion und zum Verständnis urbaner Bachläufe.

Das Hamburger Künstler*innen-Kollektiv Baltic Raw Org stellt mit ARAPOLIS eine interaktive Spielanordnung in der Biennale Zentrale im Kunst Haus Wien (the Game) und eine Rauminstallation am Festivalareal Nordwestbahnhof (the ARK) auf.

Design spielt eine entscheidende Rolle für das Funktionieren unserer Konsumgesellschaft. Die Arbeit von Designer*innen kann aber auch ein Schlüssel zu einer ökologisch und sozial verträglichen Lebensweise sein. DESIGN WITH A PURPOSE zeigt Beispiele dafür, wie Design Verantwortung übernehmen kann, obwohl es ein Werkzeug ist, das im Zuge der Zerstörung des Planeten entwickelt wurde.

Die von DESIGN WITH A PURPOSE vorgestellten Objekte und Projekte gestalten Wege, wertschätzend mit Materialien, Energie und Menschen umzugehen, ohne sich auf Ausbeutung zu verlassen. Sie erzählen Geschichten und erzeugen Beziehungen, anstatt zu oberflächlichem Konsum einzuladen. Und sie hinterfragen bestehende Systeme mit frischen Lösungen – all das, ohne den Blick für Ästhetik und Funktionalität zu verlieren.

Solutions & Strategies ist eine Kooperationsreihe mit der Universität für angewandte Kunst und der Akademie der bildenden Künste. Die Projekte begannen zum Teil bereits im Wintersemester 2023 und werden während des Biennale Zeitraums umgesetzt. Studierende, Professor*innen und Alumnis der teilnehmenden Klassen haben in dieser Zeit die Möglichkeit, eigene Projekte zu realisieren.

Songs for the Changing Seasons [Lieder für die wechselnden Jahreszeiten] vereint eine internationale Gruppe von Künstler*innen mit dem Ziel, sich Gedanken über die unzähligen konkreten und poetischen Möglichkeiten zu machen, mit denen sich Kunst mit der Realität, sowie den Auswirkungen und Konsequenzen der Transformation des Planeten Erde auseinandersetzt. Songs for the Changing Seasons thematisiert Formen von Liebe, Aufmerksamkeit, Wiederherstellung und Trauer, die sich mit ökologischen Herausforderungen und Umweltschäden auseinander setzen müssen. Unter der Annahme, dass der ökologische Wandel Realität ist, untersucht die Ausstellung, wo, wann und wie Probleme empfunden und ausgedrückt werden und inwiefern Kunst unverzichtbare Wege aufzeigt, diese Probleme zu artikulieren, zu interpretieren und zu bewältigen.

Der „Klima Biennale Pavillon“ lädt Besucherinnen zum offenen Austausch und Verweilen ein. Er dient als Ort des Zusammenkommens, Startpunkt vieler Programmpunkte und Veranstaltungen und ist Ort der Diskussion: Hier wird Klima-Kultur diskutiert, verhandelt und praktiziert. Eine wetterfeste Textilüberdachung macht es möglich, den an sich offenen Pavillon auch bei Schlechtwetter für kleine Veranstaltungen (ca. 100 Personen) wie Diskussionen oder Performances zu nutzen. Der Pavillon ist kein abgeschlossener Raum, sondern tritt mit dem vorhandenen Innenhof in Kontakt, bettet sich in die vorhandene Vegetation und macht diese aus einer neuen Perspektive erlebbar.

Die im Hof des KunstHausWien vorhandene Vegetation, die in Pflanzbeeten am Rande der Umfassungsmauern verläuft, wird durch eine dichte waldartige Unterpflanzung ergänzt und erweitert. Diese Verdichtung steigert die Klima-Performanz, die besonders für Veranstaltungen im Frühsommer die Aufenthaltsqualität steigert.
Der Holzpavillon ist eine Wiederverwendung eines Teils des Klima-Kultur-Pavillons der 2021 vom Breathe Earth Collective in Graz aufgestellt war. Dort konnte die Installation bereits erfolgreich wichtige Impulse für Klima-Kultur setzen. Das Re-Use Konzept einer bereits bestehenden Holzkonstruktion spielt eine wesentliche Rolle im Kontext einer zukunftsfähigen Klima-Diskussion.

Um die drängenden Zukunftsfragen konkret und wirkungsvoll angehen zu können, braucht es ganzheitliche Herangehensweisen. In der künftigen Wiener Schule für Kunst und Nachhaltigkeit wollen wir über künstlerisches Arbeiten mit der Methode der ARTIZIPATION einen Transformationsprozess von einer linearen Denk- und Handlungsweise zu einer zirkulären erproben und so einen dauerhaften Prozess hin zu ökologisch, ökonomisch und sozial nachhaltigem Handeln anregen.


In Kooperation mit SOHO Studios. 

Im Rahmen der Klima Biennale Wien zeigt das KunstHausWien eine umfangreiche Gruppenausstellung zu einem der wichtigsten Ökosysteme der Welt – dem Wald. Sechzehn zeitgenössische künstlerische Positionen widmen sich dem Lebensraum Wald, seinen ökologischen Prozessen sowie Bedrohungen.

Die Wälder weltweit sind mehr denn je Mahnmal für das Ungleichgewicht unseres Planeten: Wälder filtern Wasser und Luft, liefern Ressourcen und Nahrung, sind Lebensraum für einen Großteil der an Land lebenden Arten, fördern die menschliche Gesundheit und stabilisieren als wichtige Kohlenstoffspeicher das Klima unserer Erde. Ihre Abholzung und profitorientierte Ausbeutung treiben die ökologische Krise voran, gleichzeitig befeuert die Klimaerwärmung den Waldverlust.

Den Wienfluss im Blick: Die Initiative „Tracking Waste in Urban Ecosystems“ nutzt ein Machine Learning Modell, um am Oskar-Kokoschka-Platz Daten über die Verschmutzung des Wienflusses zu sammeln. Durch den Einsatz von KI und Deep Learning wird Müll im Wasser identifiziert und eine Langzeitstudie über aquatische Ökosysteme durchgeführt. Das Projekt ist Teil einer fortlaufenden Auseinandersetzung mit städtischem Lebensraum, den Methoden seiner prozesshaften Analyse und Kartographierungsmöglichkeiten.

Showroom der Red Carpet Art Awards.

Seit 1196 Tagen (Stichtag 10.April) haben wir in Österreich kein Klimaschutzgesetz.
Die Ausstellung der Schüler:innen der Klasse 7B des GRG 12 Rosasgasse 1120 versucht in ihrem Projekt diese abstrakte Zahl zu verbildlichen. Eine 10 Meter lange Wandtapete zeigt die Silhouetten unterschiedlicher Tiere. Jedes von ihnen steht symbolisch für einen Tag. Tiere sind unmittelbar von den Auswirkungen der Klimakrise betroffen, haben jedoch keine Stimme, um ihre Not mitzuteilen. Alle 1196 sind sich zwar nicht ausgegangen, dafür immerhin um die 600.

Die Wiener Schule für Kunst und Nachhaltigkeit bündelt Wissen und Praxiserfahrung aus Kunst, Wissenschaft und Gesellschaft, um neue Lösungen für die zukünftigen Herausforderungen anzubieten. Prototypisch werden im Rahmen des Projekts gemeinsame Strategien zur Umkehrung der vorherrschenden linearen Denk- und Handlungsweise in eine zirkuläre entwickelt. In alltagspraktischen Workshops können Ankerpraktiken für den sozialen, ökologischen und ökonomischen Wandel erprobt werden.

Wie gehen Künstler*innen in ihrer ökologisch orientierten Kunstpraxis mit Umweltverantwortung um? Wie kann ökologische Nachhaltigkeit innerhalb der Kunst theoretisch als auch praktisch verhandelt werden? Anhand der Werke von acht Künstler*innen aus unterschiedlichen Disziplinen geht die Ausstellung Fragen wie diesen nach. Die Beiträge regen zum Nachdenken ein und verstehen sich als direkte Botschaft zu Umweltthemen.