Ständig neue Trends, Textilriesen, die jährlich Dutzende neue Kollektionen unter prekären Produktionsbedingungen auf den Markt bringen, geschredderte Neuware internationaler Luxuslabels und die Zerstörung von Ökosystemen durch textile Müllberge: Die Mode(industrie) steht im Hinblick auf Konsumverhalten, Herstellungsprozesse und Nachhaltigkeit zunehmend im Fokus. Mit der Ausstellung CRITICAL CONSUMPTION öffnet das MAK den kritischen Blick für einen Bereich, der wie kein zweiter für Konsum, den ständigen Wunsch nach Neuem und für schnellen Wandel steht.

Über ein Jahr lang ist die MAK Galerie Schauplatz für historische Objekte, zeitgenössisches Design und künstlerische Positionen, die Anstöße zur Auseinandersetzung mit aktuellen Fragen unserer Zeit liefern: „Welchen Wert hat unsere Kleidung?“ oder „Wer kann sich Konsumverweigerung überhaupt leisten?“ Unser Modekonsum kann dabei paradigmatisch für den Massenkonsum der kapitalistisch ausgerichteten Gesellschaft des Globalen Nordens gelesen werden.

Zusammen mit erfahrenen Künstler*innen und Expert*innen aus der Wissenschaft schaffen sich die Teilnehmer*innen im Zukunftslabor einen sicheren Raum und bespielen diesen für sich und andere.
Durch verschiedene künstlerische Ausdrucksarten wie beispielsweise Theater, Performance, Tanz oder Musik werden die Bewohner*innen ermutigt, ihre persönlichen Verbindungen zur Natur, ihre Erfahrungen mit den Auswirkungen des Klimawandels und ihre Ideen für eine nachhaltige Zukunft auszudrücken.

In Kooperation mit der Volkshilfe Wien. 

In sieben Kapiteln erzählt Regina Anzenberger mit ihren übermalten, weitergezeichneten und mit Fundstücken versehenen Fotografien das Naturerlebnis Gstettn. Sie überschreitet in ihren Arbeiten die Grenze zwischen Objekt und Realität und nimmt uns mit auf ein Abenteuer, das auf einem unbebauten Grundstück der ehemaligen Anker Brotfabrik seinen Anfang gefunden hat.

Hiesige Zimmerpflanzen sind meist aus tropischen Gebieten importiert und werden laufend vervielfältigt – als stille Zeugen der Kolonisierung. Die exotischen Arten gedeihen bei guter Pflege viele Jahre, sie benötigen kaum Tageslicht: Sie wachsen im nahezu Dunkeln.

Was können wir von unseren grünen Mitbewohner:innen lernen, wie adaptieren sich diese in unwirtlichen Lebensbedingungen? Und welche Bewältigungsmechanismen werden für uns Menschen in einer ein, zwei oder drei Grad Celsius heißeren Welt notwendig sein? Diese sind nur einige der Fragen, denen Käthe Hager von Strobele in „Growing in the Dark“ nachspürt.

Das Zusammenleben mit Kamelen und ihren Verwandten prägt Kulturen. Es bildet die Lebensgrundlage für Menschen in vielen Teil der Welt und ist Teil deren kultureller Identität. Das Weltmuseum Wien geht im Jahr 2024 den vielen Facetten dieses Zusammenlebens mit Dromedaren, Trampeltieren, Lamas und Alpakas – kurz: Kameliden – in einer Sonderausstellung nach.

Mit Filmen, Fotografien, historischen und zeitgenössischen Kunstwerken sowie Objekten aus den Sammlungen des Weltmuseums Wien und zahlreichen Leihgaben erzählt die Ausstellung von vergangenen, gegenwärtigen und künftigen Begegnungen mit Kameliden.

Oliver Resslers künstlerisch-aktivistischer Praxis liegt die Überzeugung zugrunde, dass gesellschaftliche Verhältnisse nicht gegeben, sondern vielmehr veränderbar sind. Seit etwa drei Jahrzehnten nimmt Ressler dringliche Aspekte von Demokratie, Ökonomie, Migration und Ökologie in den Blick, um strukturelle Ursachen, aber auch Widerstandsformen und Handlungsoptionen aufzuzeigen. Gesellschaftliche Alternativen denkbar zu machen, ist dabei ein zentrales Motiv.

Die Werkschau Dog Days Bite Back versammelt filmische und fotografische Arbeiten der letzten Jahre, die verschiedene Dimensionen der Klimakrise in ihrer ökonomischen, politischen und sozialen Komplexität adressieren und mit international agierenden Klimagerechtigkeitsbewegungen verschränken. So bringt Ressler die inzwischen weltweit spürbaren Effekte des Klimakollaps in Zusammenhang mit systematischen klimapolitischen Verfehlungen und dem überfälligen Paradigmenwechsel in globalen Wirtschaftssystemen.

Angelika Loderer entwirft für ihre Einzelausstellung im Belvedere 21 eine raumspezifische Installation, für die der Boden mit seinen ökologischen, ökonomischen, politischen wie kulturellen Narrativen den common ground darstellt.

Das Interesse am Untergrund und den dort lauernden Geschichten, an der Spannung zwischen Sichtbarem und Verborgenem, zwischen Flüchtigkeit und Permanenz zieht sich als roter Faden durch das Werk der Bildhauerin. In ihrer kritischen Befragung des Skulpturenbegriffs hinsichtlich Formfindung und Autor*innenschaft wählt die Künstlerin mitunter den kreativen Dialog mit nichtmenschlichen Lebewesen, deren Habitat das Erdreich ist: Sie eignet sich von Tieren generierte Höhlen und Gänge als Gussformen an oder nutzt die Wachstumsprozesse von Pilzmyzel als gestaltendes und materialveränderndes Element. Den künstlerischen Prozess öffnet sie dadurch nicht nur für den Zufall, sondern auch für ein posthumanistisches Miteinander der Kreaturen.

Hitzerekorde, großflächige Infernos und Extremwetter sind, wie es scheint, das neue Normal. Das 2015 unterzeichnete Pariser Klimaschutzabkommen ist de facto gescheitert. Im neuen MAK Plakat Forum zeigt das MAK aus diesem Anlass unter dem Titel NICHTS IST ERLEDIGT 25 Plakate zum Thema Umweltverschmutzung und Klimaveränderung des Grafikdesigners, Juristen, politischen Aktivisten sowie frühen Mahners für die Umwelt, Klaus Staeck (* 1938).

Dystopische Situationen, bei denen Menschen an einem Abgrund stehen, menschenleere Landschaften, ausgestorbene Dörfer – bei den Bildern von Beate Gütschow wird erst auf den zweiten Blick deutlich, dass es sich um protestierende Menschenansammlungen, Überreste von zivilisatorischen Eingriffen nach einer Flutkatastrophe oder Spuren von Bränden in Wäldern und Landschaften handelt. Alle gezeigten Ereignisse haben in den letzten Jahren nicht irgendwo auf dem Globus, sondern in Deutschland stattgefunden.

Wie filtert Licht, was wir wahrnehmen? Wie hören sich Eisberge an? Und wie sieht die chemische Zusammensetzung von Wasser gedruckt aus?

Für ihr Fotoprojekt From a Tongue We Are Losing begab sich die Künstlerin Laure Winants zusammen mit einem multidisziplinären Forscher:innen-Team auf eine viermonatige Expedition ins arktische Eis – eine weiße Wüste, in deren Weiten sich der Mensch winzig klein verliert.

Um die einzigartigen Lichtphänomene dieser außergewöhnlichen Weltregion hoch im Norden einzufangen, hat sie spezielle Techniken entwickelt. Damit macht sie abstrakte Daten greifbar und emotional erfassbar und macht uns die wechselseitige Abhängigkeit von Ökosystemen bewusst.

Drei prominente Showrooms im Wiener U-Bahnnetz in Kooperation mit den Wiener Linien werden im Zeitraum von April bis Juni 2024 zehn Biennale-Schulprojekten zur Verfügung gestellt und von den Klimabeauftragten der Schulen und ihren Klassen selbst bespielt. So wird den Heranwachsenden die Möglichkeit geboten, ihre Sichtweise auf die Welt der breiten Öffentlichkeit zu präsentieren. Die Ausstellungen sind Teil des offiziellen Klima Biennale Wien Programms.

In Kooperation mit FutureWorks (Red Carpet Art Award).

Wachsende Gletscher: Keine Fiktion, sondern Realität. Am Institute of Science and Technology Austria (ISTA) erforschen Wissenschafter*innen rund um Francesca Pellicciotti Gletscher, die der Erderwärmung zu trotzen scheinen. Mit den Künstler*innen Céline Ducret, Martin Heynen und Patrick Hari widmet sich ISTA unseren komplexen Gefühlen in Zeiten von Unsicherheit und erzählt, was es bedeutet Schritt für Schritt neue Realitäten zu vermessen, während sich die Welt unter unseren Füßen verändert.

Kollaborationen zwischen Wissenschaft brauchen Vertrauen, Zeit, gute Kommunikation und eine Neugier und Respekt für einander - oft über lange Zeit und mehrere Institutionen hinweg. Die Wege bis zu den passenden Plattformen sind vielseitig und das möchten wir hervorheben: Céline Ducret wurde über ein PolARTS Projekt Teil einer Expedition der Pellicciotti Gruppe.

Martin Heyen war mehrere Jahre als Forschungsassistent der Gruppe tätig bevor er sich der Kunst widmete. Patrick Hari ist ein langjähriger Freund und Konversationspartner der Forscher:innen.

https://www.vistascience.at/visit/ausstellungen/

Sticker mit Info und QR-Code bei den Spiegeln in den Toiletten der Klima Biennale Wien Venues laden das Publikum ein, den ersten Hör-Raum des "Großen Welt-Raum-Wegs" ("Badezimmer") in Wien zu erleben. Der Große Welt-Raum-Weg ist ein Projekt im Rahmen der Kulturhauptstadt Salzkammergut Bad Ischl 2024 von Christoph Viscorsum in Zusammenarbeit mit Andreas Hagelüken.

Das Hamburger Künstler*innen-Kollektiv Baltic Raw Org stellt mit ARAPOLIS eine interaktive Spielanordnung in der Biennale Zentrale im Kunst Haus Wien (the Game) und eine Rauminstallation am Festivalareal Nordwestbahnhof (the ARK) auf.

Die Biofabrique Vienna ist ein Pilotprojekt der Wirtschaftsagentur Wien und Atelier LUMA, einem Programm von LUMA Arles, in Partnerschaft mit der TU Wien (Institut für Architektur und Entwerfen). Basierend auf dem bioregionalem Design Ansatz von Atelier LUMA wird gemeinsam eine Methode entwickelt, um nicht genutzte lokale Ressourcen in Materialien für Architektur und Design umzuwandeln.

Seit 2021 untersucht das Projekt ProBACH das Potenzial aktiver sowie inaktiver Stadtbäche für stadtklimatische und sozialräumliche Verbesserungen. Angefangen bei wissenschaftlichen Grundlagen für die Reaktivierung vorhandener Stadtbäche bis zur experimentellen Umsetzung im Rahmen der Klimabiennale werden vielfältige Erfahrungen gesammelt.

Im Rahmen der Klima Biennale Wien 2024 erforscht „Wir probieren Bach“ anhand verschiedener Bachtypologien exemplarisch und experimentell Funktions- und Wirkweisen oberflächlicher Fließgewässer. Ein transdisziplinäres Rahmenprogramm begleitet die Installation und ermöglicht eine Zusammenarbeit von Forscher*innen und Besucher*innen. Diese leisten mit „Wir probieren Bach“ einen wichtigen gemeinsamen Beitrag zur Wissensproduktion und zum Verständnis urbaner Bachläufe.

Design spielt eine entscheidende Rolle für das Funktionieren unserer Konsumgesellschaft. Die Arbeit von Designer*innen kann aber auch ein Schlüssel zu einer ökologisch und sozial verträglichen Lebensweise sein. DESIGN WITH A PURPOSE zeigt Beispiele dafür, wie Design Verantwortung übernehmen kann, obwohl es ein Werkzeug ist, das im Zuge der Zerstörung des Planeten entwickelt wurde.

Die von DESIGN WITH A PURPOSE vorgestellten Objekte und Projekte gestalten Wege, wertschätzend mit Materialien, Energie und Menschen umzugehen, ohne sich auf Ausbeutung zu verlassen. Sie erzählen Geschichten und erzeugen Beziehungen, anstatt zu oberflächlichem Konsum einzuladen. Und sie hinterfragen bestehende Systeme mit frischen Lösungen – all das, ohne den Blick für Ästhetik und Funktionalität zu verlieren.

Solutions & Strategies ist eine Kooperationsreihe mit der Universität für angewandte Kunst und der Akademie der bildenden Künste. Die Projekte begannen zum Teil bereits im Wintersemester 2023 und werden während des Biennale Zeitraums umgesetzt. Studierende, Professor*innen und Alumnis der teilnehmenden Klassen haben in dieser Zeit die Möglichkeit, eigene Projekte zu realisieren.

Songs for the Changing Seasons [Lieder für die wechselnden Jahreszeiten] vereint eine internationale Gruppe von Künstler*innen mit dem Ziel, sich Gedanken über die unzähligen konkreten und poetischen Möglichkeiten zu machen, mit denen sich Kunst mit der Realität, sowie den Auswirkungen und Konsequenzen der Transformation des Planeten Erde auseinandersetzt. Songs for the Changing Seasons thematisiert Formen von Liebe, Aufmerksamkeit, Wiederherstellung und Trauer, die sich mit ökologischen Herausforderungen und Umweltschäden auseinander setzen müssen. Unter der Annahme, dass der ökologische Wandel Realität ist, untersucht die Ausstellung, wo, wann und wie Probleme empfunden und ausgedrückt werden und inwiefern Kunst unverzichtbare Wege aufzeigt, diese Probleme zu artikulieren, zu interpretieren und zu bewältigen.

Der „Klima Biennale Pavillon“ lädt Besucherinnen zum offenen Austausch und Verweilen ein. Er dient als Ort des Zusammenkommens, Startpunkt vieler Programmpunkte und Veranstaltungen und ist Ort der Diskussion: Hier wird Klima-Kultur diskutiert, verhandelt und praktiziert. Eine wetterfeste Textilüberdachung macht es möglich, den an sich offenen Pavillon auch bei Schlechtwetter für kleine Veranstaltungen (ca. 100 Personen) wie Diskussionen oder Performances zu nutzen. Der Pavillon ist kein abgeschlossener Raum, sondern tritt mit dem vorhandenen Innenhof in Kontakt, bettet sich in die vorhandene Vegetation und macht diese aus einer neuen Perspektive erlebbar.

Die im Hof des KunstHausWien vorhandene Vegetation, die in Pflanzbeeten am Rande der Umfassungsmauern verläuft, wird durch eine dichte waldartige Unterpflanzung ergänzt und erweitert. Diese Verdichtung steigert die Klima-Performanz, die besonders für Veranstaltungen im Frühsommer die Aufenthaltsqualität steigert.
Der Holzpavillon ist eine Wiederverwendung eines Teils des Klima-Kultur-Pavillons der 2021 vom Breathe Earth Collective in Graz aufgestellt war. Dort konnte die Installation bereits erfolgreich wichtige Impulse für Klima-Kultur setzen. Das Re-Use Konzept einer bereits bestehenden Holzkonstruktion spielt eine wesentliche Rolle im Kontext einer zukunftsfähigen Klima-Diskussion.

Um die drängenden Zukunftsfragen konkret und wirkungsvoll angehen zu können, braucht es ganzheitliche Herangehensweisen. In der künftigen Wiener Schule für Kunst und Nachhaltigkeit wollen wir über künstlerisches Arbeiten mit der Methode der ARTIZIPATION einen Transformationsprozess von einer linearen Denk- und Handlungsweise zu einer zirkulären erproben und so einen dauerhaften Prozess hin zu ökologisch, ökonomisch und sozial nachhaltigem Handeln anregen.


In Kooperation mit SOHO Studios. 

Im Rahmen der Klima Biennale Wien zeigt das KunstHausWien eine umfangreiche Gruppenausstellung zu einem der wichtigsten Ökosysteme der Welt – dem Wald. Sechzehn zeitgenössische künstlerische Positionen widmen sich dem Lebensraum Wald, seinen ökologischen Prozessen sowie Bedrohungen.

Die Wälder weltweit sind mehr denn je Mahnmal für das Ungleichgewicht unseres Planeten: Wälder filtern Wasser und Luft, liefern Ressourcen und Nahrung, sind Lebensraum für einen Großteil der an Land lebenden Arten, fördern die menschliche Gesundheit und stabilisieren als wichtige Kohlenstoffspeicher das Klima unserer Erde. Ihre Abholzung und profitorientierte Ausbeutung treiben die ökologische Krise voran, gleichzeitig befeuert die Klimaerwärmung den Waldverlust.

Die Wiener Schule für Kunst und Nachhaltigkeit bündelt Wissen und Praxiserfahrung aus Kunst, Wissenschaft und Gesellschaft, um neue Lösungen für die zukünftigen Herausforderungen anzubieten. Prototypisch werden im Rahmen des Projekts gemeinsame Strategien zur Umkehrung der vorherrschenden linearen Denk- und Handlungsweise in eine zirkuläre entwickelt. In alltagspraktischen Workshops können Ankerpraktiken für den sozialen, ökologischen und ökonomischen Wandel erprobt werden.

Wie gehen Künstler*innen in ihrer ökologisch orientierten Kunstpraxis mit Umweltverantwortung um? Wie kann ökologische Nachhaltigkeit innerhalb der Kunst theoretisch als auch praktisch verhandelt werden? Anhand der Werke von acht Künstler*innen aus unterschiedlichen Disziplinen geht die Ausstellung Fragen wie diesen nach. Die Beiträge regen zum Nachdenken ein und verstehen sich als direkte Botschaft zu Umweltthemen.

"WILDERNESS ALLIANCES - Exhibition & Laboratory for Artistic and Performative Research in Interaction with Plants" ist ein Projekt von MOTHERBOARD, das die Beziehung zwischen Menschen, Pflanzen und anderen Lebewesen untersucht. Es handelt sich um eine immersive Installation, die von Hildegard von Bingens Konzept der Viriditas - der Grünkraft - inspiriert ist und aus verschiedenen Pflanzen, Samen, Erde und Videoarbeiten besteht, die auf aktuelle Umweltherausforderungen reagieren. Die Ausstellung schafft einen Raum für Künstler*innen, Besucher*innen und Pflanzen, um verschiedene Beziehungen innerhalb sozialer, ökologischer und politischer Strukturen zu erforschen und neue Erzählungen über unsere Verbindung mit unserem Heimatplaneten anzuregen.

Künstler*innen: Guadalupe Aldrete, Bettina Eigner, Fuzzy Earth, Anita Fuchs, Elena Kristofor, Barbara Marcel, Laura Sperl, Stephanie Winter & Salon Hybrid

Kuratiert von Stephanie Winter
Research von Linn Mauerer

Showroom der Red Carpet Art Awards: Eine Ausstellung der Schüler*innen der Schule HTL Rennweg 1030, welche sich mit den riskanten Szenarien der Klimakrise auseinandersetzt. Dabei werden die Zusammenhänge von mehreren Katastrophen in Verbindung gebracht.

Die Kunst-Erlebnismeile Vdonaukanal zeigt künstlerische Interventionen außerhalb von Museen und historischen Institutionen und wird zu einem neuen erweiterten Begegnungsfeld für interaktive Kunst in Wien.

Vdonaukanal zeigt Kunstvermittlungsprojekte in Augmented Reality und damit die Kunst der nächsten Generation. Durch diese Kraft des kreativen Forschens wird der Donaukanal zu einem Raum der Erneuerung und des Diskurses transformiert.

Die Ausstellung ist eine Kooperation zwischen dem Weltmuseum Wien (WMW) und dem privaten Museu de Arte Indígena (MAI) in Curitiba, Brasilien. Die Kuratorinnen Claudia Augustat (WMW) und Julianna Polodan Martins (MAI) setzen die Sammlungen der beiden Museen in einen Dialog, der zeigt, wie sich aus Gebrauchs- und Ritualgegenständen autonome Kunstwerke entwickelt haben.

Showroom der Red Carpet Art Awards: Ausstellung der Schüler*innen des Parhamergymnasiums 1170

Gemeinsam mit drei Wiener Dunkelkammern – dem Fotolabor Lumen X, der Werkstätte Analoge Fotografie an der Universität für Angewandte Kunst Wien und der filmkoop wien – erforscht die Fotogalerie Wien alternative fotografische Prozesse. Die Ausstellung zeigt lokale Künstler*innen, die einer ressourcenschonenden Praxis den Weg bereiten. Im Rahmen von Workshops ist auch das Publikum zum Experiment mit alternativen Bildverfahren und Entwicklungsmethoden eingeladen.

In einer speziell für das MAK konzipierten immersiven Rauminstallation nimmt das Künstler*innenkollektiv Troika (Eva Rucki, Conny Freyer und Sebastian Noel) die vielschichtigen Formen nicht-menschlicher Intelligenz in den Fokus. Während in der digitalen Animation "Terminal Beach" ein mit Fell überzogener Roboterarm den letzten Baum auf der Erde fällt, erweitern im Realraum 3D-gedruckte digitale Zwillinge musealer Objekte die Szenografie, die als enigmatische Kreaturen eine überflutete Landschaft bevölkern.

Seit 2020 ist der globale Bestand der von Menschen gemachten Masse höher als der der Biomasse. Um Perspektiven auf nachhaltige Beziehungen mit unbelebter Materie zu gewinnen, wurden ein Gründerzeithaus und die Praterbrücke über die Donau (A23) hinsichtlich ihrer Baumaterialien wissenschaftlich dekomponiert, und als literarische und skulpturale Spekulationen rekomponiert. Es entstehen Vorstellungsbilder mit einem Zeithorizont, der von der Gegenwart bis in die geologische Ferne reicht.

KUBUS ist ein partizipatives Ausstellungs- und Diskussionsformat, das die Künstlerinnen Anke Armandi, Maria Grün und Lena Knilli realisieren. KUBUS III mit Arbeiten von Michael Goldgruber und Markus Guschelbauer ist Ausgangspunkt für einen Open Call: Personen aus der künstlerischen Praxis sind eingeladen, darauf mit Werken anderer Künstler*innen zu reagieren, die Ausstellung in der Factory des Künstlerhauses zu ergänzen und den Gesprächsraum zu erweitern.

Energie ist eine physikalische Größe, aber als Begriff auch Teil eines breiten Diskurses und eng mit Machtstrukturen verbunden. Um Donna Haraway zu zitieren: Es ist Teil der „natureculture“ der modernen Welt. Als Begriff und Konzept kann Energie historisch untersucht werden, während es Teil der natürlichen Komplexität ist, die als skalare physikalische Größe gemessen, transformiert und übertragen werden kann. Energie als Größe aller Teilbereiche der Physik, wie zum Beispiel der Wärmelehre, ist in den verschiedensten Felder von wesentlicher Bedeutung. Sie spielt eine wichtige Rolle in der Biologie, zum Beispiel beim Metabolismus, in der Geologie, wo sie sich materialisiert, bei der Logik extraktiver und erneuerbarer Systeme und wird damit zu einem Teil der modernen Welt, der besonders abstrakt und unklar ist.

Visualisierungen von Energie in Vergangenheit und Gegenwart sind von entscheidender Bedeutung, da sie wissenschaftliche Forschung und Daten in andere Bereiche übertragen und die Verflechtungen von Energie verdeutlichen können. Sie haben das Potenzial, zu ikonisch zu werden, indem sie das Zeichen, das Bezeichnete und den Wahrnehmenden zusammenbringen. In solchen Bildern gehen wissenschaftliche Erkenntnisse und Ästhetik Hand in Hand und Energie dringt an die Schwelle der sichtbaren Welt.

Tatsächlich deutete Isidor von Sevilla bereits im 7. Jahrhundert auf die Verflechtungen von Energie hin, als er schrieb, dass die Wörter Farbe und „calor“ (Wärme) in seinen Etymologien von derselben Wurzel stammen. Im 19. Jahrhundert zeigten James Clerk Maxwells Erkenntnisse über die Natur elektromagnetischer Wellen, dass der Unterschied zwischen Licht und Wärmestrahlung ausschließlich in der Wellenfrequenz liegt. So kann man zur Beziehung von Ästhetik und Energie die Frage stellen: Welche Farbe hat Energie heute - in dieser Gesellschaft und Kultur?

Die Ausstellung vereint historische Visualisierungen von Energie mit der Arbeit von Künstlern und Architekten, die über Farben, Bilder und Darstellungen von Energie nachdenken.

Mit Werken von Hubert Dobler, Exikon, Barbara Kapusta, Matthias Kessler, Galo Patricio Moncayo-Asan und Michael Wang.
Die Ausstellung wurde von Tülay Atak und Bernhard Sommer mit Galo Patricio Mancayo-Asan, Malgorzata Sommer-Nawara, Florian Zeif, Daniil Zhiltsov und dem Grafikdesign von Annija Česka konzipiert und organisiert.
Die Ausstellung wurde ermöglicht durch ein INTRA-Stipendium, gefördert vom Zentrum Fokus Forschung der Angewandten.

Showroom der Red Carpet Art Awards: Ausstellung der Schüler*innen des GRG 23 Draschestraße 1230